Gimme Shelter - Albert y David Maysles

En un proyecto muy ambicioso los hermanos cineastas se disponen a filmar uno de los eventos Pop más polémicos de su época. Justo en plena globalización de lo que hoy conocemos como rock, y apenas sucedido el éxito de Woodstock, los Rolling Stones se disponen a dar un concierto gratis en el centro de San Francisco.

Para capturar el viacrucis que flagelaría a la banda los hermanos Maysles se armaron de un equipo de cámaras y camarógrafos (incluído el gran señor de Star Wars, George Lucas) para transformar al fenómeno mediático de la fiesta gratuita frente a una banda de rock, una experiencia cinematográfica que perduraría y que ni ellos o la misma banda, se imaginaban que terminaría así.

A los RS les bloquean todo camino que encuentran, del centro de San Francisco van a las afueras y luego un poco más lejos, hasta encontrar un espacio 'propicio' para dar el concierto, donde todo aquel inadaptado llegará de todas partes del país para presenciar a los magníficos Rolling en comunidad, o al menos esa es la idea.



Las complicaciones llegarán por la pobre organización del evento la que provoca que la gente tenga fricciones y mientras se nos muestra cómo es que la banda ve su propio documental, se nos irá develando también algo que detona toda esta energía y la construye en forma de tragedia. Al final el resultado expresa un sentimiento que alcanza adentrarse en la realidad de la condición del hippie inadaptado como algo románticamente trágico. Hay que verla para creerla.

Grey Gardens - Maysles Brothers

Contratados por los Kennedy, los Maysles se encuentran con un descubrimiento maravilloso. La famosísima familia tiene, como todas, a sus integrantes poco deseados: Edith Bouvier Beale y su madre Edith Ewing Bouvier Beale. Viven en una casa que parecería abandonada, propiedad que algún día fuera una gran mansión para la familia Bouvier, una de las más importantes de Norteamérica.

Los hermanos Maysles entran solos sin más, a convivir con esta pareja de madre-hija que al parecer están inmersas en una locura a la par. Los 4 se vuelven amigos y las Bouvier les permiten a los Maysles entrar hasta sus propias recámaras en los momentos más incómodos, incomodidad que ellas viven de maneras muy excéntricas.




La relación se va dando y con cada segundo que los Maysles están con los pies dentro de la casa, las Bouvier se acercan más a ellos y ellos en cada respirar se hacen tanto amigos como responsables de lo que capturan en film. El resultado es maravilloso por que las Bouvier terminan comprendiendo a la cámara como su aliada, inofensiva ante su situación tan extrema. La ventana al alma de la locura, queda plasmada perfectamente por el par de geniales hermanos.

Documental Casting- Autoretrato

es mucho más corto de lo que dice q es, se subieron como 15 minutos de negro...

Juvenile Court - Frederick Wiseman

En Juvenile Court, Wiseman se ha hecho más hábil, un perfeccionista de su lenguaje y rompe las convenciones de formato al hacer una película mucho más larga de lo acostumbrado ya por la industria, siempre en pro de su mensaje.




Juvenile Court se ubica de nuevo en los Estados Unidos, esta vez al sur en una corte juvenil para analizar los casos que ahí se presentan y cómo el sistema los maneja. Wiseman busca retratar más allá de las prácticas institucionales, la moral norteamericana y su conciencia de sí misma para impartir justicia.



En esta ocasión Frederick se muestra menos exquisito en su estética fotográfica y busca alcanzar el contacto magnético con el público através de mostrar con orden, ritmo y perspicacia lo que sucedia frente a él, logrando aún volverse invisible cual ninja permitiendo la naturalidad a pesar de la presencia de la cámara.

El ejercicio es muy interesante sin embargo Wiseman parece comenzar a perderse en sí mismo y olvidar al público, reduciéndolo a sólo aquellos capaces de estar en conexión con una película llena de sutilezas e imágenes que a veces no están ya ahi.

Titicut Follies - Frederick Wiseman

Como Depardon en San Clemente, Wiseman realizó un documental de temática similar varios años antes del francés. Sin embargo el mítico documentalista, en su primer trabajo dejó ver su inexperiencia, aunque con gran brillantez.

Titicut Follies es una película que juzga a la institución del internado psiquiátrico. El tipo de tratamiento acostumbrado en la época que se realizó, es casi excesivamente dramático, haciendo que un impacto profundo sea más probable, pero dificultando la conducción del mensaje debido a la densidad de las mismas imágenes.




Enfrascándose en el espacio, Wiseman nos transmite la ansiedad y desesperanza que existe en un lugar como este, sin embargo hace a un lado a los internos justo como lo hacen sus doctores, y termina enfrentándonos a un lugar que parece de ciencia ficción. Titicut Follies se presenta como una película de terror de orden paranoide en la que antes de empatizar y preocuparnos por la existencia y malas prácticas, nos crea un miedo antagónico a la simple existencia del edificio y de los que trabajan en él, dejando a su públiico en lugares comunes con respecto a la temática, oscuros, fríos y despersonalizados.

Delitos Flagrantes - Raymond Depardon

Delitos Flagrantes es el estudio de la sala de declaraciones francesas, donde se discuten y descartan delitos menores en busca de que el estado permita al presunto delincuente el cambiar su actitud ante la ley con alguna oportunidad, o no.

Depardon utiliza una cámara fija en un encuadre repetitivo hasta el hartazgo de cómo suceden una serie de discusiones de esta índole. Encontramos momentos maravillosos de realidad cuando una mujer que al permitirle ser escuchada se abre y relata todo lo que hace para sobrevivir. Otro es cuando un inmigrante de origen argelino es cuestionado sobre un robo, y es muy interesante cómo se desenredan los nudos criminales por los que son convictos o libres.



Depardon muestra de nuevo su gran sensibilidad al adaptarse a la situación y ésta vez manteniéndose completamente estático, lejos de juzgar al ministro que se pone del lado del delincuente o del criminal que tal vez se salga con la suya, Depardon observa y nos hace observar, nos vuelve testigos de la intimidad creada en una pequeña sala entre el estado, el caos y el sentido común o la falta de él. El director olvida los rostros y la emocionalidad dramática y nos provoca a simplemente escuchar y observar.

San Clemente - Raymond Depardon

El retrato de una institución mental podría llamarse algo fácil de realizar, ahí el problema se vuelve la reflexión, la conciencia y la sensibilidad para hacerlo. Depardon en este caso nos muestra su dominio sobre estos tres factores al desarrollar una obra que se adentra al núcleo de la condición humana con una cámara y un micrófono.


La fluidez de la cámara de Depardon parece motivada por la magia. El director lleva un seguimiento de la acción que en momentos brillantísimos parece que es él mismo quien la provoca, coomo en aqulla secuencia donde uno de los internados juega con una llave de agua y él lo sigue hasta que regresa a la misma llave de agua. La pregunta sería, si eso es lo que quería hacer el interno, o si fue la presencia y sutileza de Depardon que lo encerró en una acción cíclica. De ese alcance es el poder de Depardon y nunca se sabrá la verdad.


En este trabajo en busca de la humanidad de aquellos a quienes se las han cuestionado por su condición mental, Depardon logra extraerla de ellos y mostrarnos que probablemente esa humanidad llena de locura puede ser más rica que la de muchos de nosotros, fuera de una institución, intentando ignorar nuestras condiciones comunes.

Momma Don't Allow - Karel Reisz y Toni Richardson

Momma Don't Allow puede ser mi preferido de los tres ejemplos de Free Cinema revisados por este blog, su naturalidad y ficcionalización no son contrarias y más aún se complementan de manera homogenea haciendo de ver la película un rato placentero e interesante.




los realizadores parecen aterrizar todas sus pretenciones y enfocarse en alcanzar una naturalidad antes no vista, nivel que puede argumentarse no es alcanzado, pero búsqueda innegable después de ver el film. Historias confluyen en un evento de baile, cada quien con historias particulares pero con ese punto muy en común, bailar y ser parte del grupo que lo hace así juvenilmente.



Para sus tiempos logramos ver un mundo que probablemente estaba muy escondido, y se logra aún, hacerlo atractivo y normal, sin estigmas moralistas ni conservadores, el mundo que es es el que se muestra y no deja dudas respecto a eso. A pesar de que las profundidades que alcanzan los realizadores no llegan a ser muy profundas, son atinadas en su ambientalización y enfoque, dejando al público deseando más pero con una visión vasta del submundo retratado.

Together de Lorenza Mazzetti

En Together, se busca alcanzar la sutileza de ejemplos como O Dreamland, trtando de extraer la naturalidad excluyendo el idioma, sin embargo la presencia de una historia (aunque aparentemente hueca) y su fuerte escenificación entre cortes evitan eso.




En este filme se nota una gran preproducción y recreación de escenarios, que aunque naturales, el abuso estético en busca de el encantamiento visual no permite que atraiga, al mantenerse ambigua entre dos mundos que al parecer los realizadores mismos no tienen muy claros. EL efecto de esto es una tediosa y sobrecargada de mensajes que nunca llegan a nosotros por quedarse a la mitad constantemente.




Al final el filme resulta agradecido por terminar ya que la ambigûedad como mensaje es difícil de lograr con fuerza efectiva en el cine y resulta confuso para el espectador que busca una experiencia concreta, tal vez diferente a lo que opinaría un público de búsquedas experimentales y/o intelectuales. Ellos podrán arrojarse a un mar de análisis del tiempo y espacio, faceta que este filme alcanza de mandera profundísima mucho más allá que sus contrapartes compañeras.

O Dreamland - Lindsay Anderson

O Dreamland forma parte de una serie de filmes que se les clasificó como Free Cinema, originado en Londres a mediados del siglo pasado.

Este Free Cinema se volvería uno de los estandartes que dieron paso a la Nouvelle Vague de Francia unos años después. Las características que muestra O Dreamland carece de personajes principales comunes, tomando siempre el primer plano para reflejar una atmósfera cultural construída por particularidades, en este caso muchas al ser un centro recreativo con juegos, animales y exhibiciones.



La falta de ficcionalización en la producción del filme, se transforma en una redirección de la atención hacia los elementos estructurales de la película, el montaje, el sonido y la dialéctica de la imagen se convierten en los poderados totales del discurso, faltos de una escenificación acomplejada y explícita, aunque en momentos se vuelva lenta y de un sentido borroso hacia su fin.

Atomic Café - Kevin y Pierce Rafferty y Jayne Loader

Este film se basa en el reciclaje de material de archivo, usando imágenes de todo tipo de orígenes apra retratar el estilo de vida entorno a la guerra y cómo se mostraba la guerra hacia las masas.

En intentos acertadícimos uno tras otro, los realizadores muestran la maestría dialéctica que poseen y asi de corte en corte, lograr adentrarnos con dura ironía y sarcasmo, sin alejarse de la realidad acerca de el discurso oficial estadounidense desde el final de la guerra y através del inicio de la guerra fría con la URSS.




Aunque audaces y elocuentes, la película goza de una inclinación hacia lo que el día de hoy es socialmente aceptado pensar acerca de la bomba atómica y el miedo social. Los que terminan pecando son los generadores de todo el contenido ahora aprovechado en su contra. Hay escenas que en la actualidad son ridículas de pies a cabeza y hacen fácil llegar el concreto mensaje antibélico. Con maestría en la edición esta película nos reflejará y alejará poco a poco de los mediados de siglo para poder vislumbrar lo que al día de hoy pasa en nuestros países, cara del documental que yo rescataría como lo más valioso, la cuestión del presente que habla de nuestro futuro aprovechando el pasado, el material de archivo.

Proyecto Fase 2

La idea del documental autoretrato ha cambiado. Una disculpa por el posteo tardío pero no sabía bien qué quería hacer.

La propuesta ahora es la de mostrarme como director, haciendo castings a actrices para el papel de mi tesis, basada en la vida de mi hermana y así develando de casting en casting por qué es que no la conozco y cómo eso me ha afectado a mi.

Verdad
¿Qué verdades se presentan en el documental?
La ausencia del lado paterno de mi familia, las razones por las que esto pasó y qué consecuencias pasan en el presente.

¿Cómo se presentan estas verdades, con qué tipo de información?
Mediante conversaciones con actrices desconocidas para mi, quienes buscan interpretar el papel de mi hermana en mi tesis. Con sus opiniones y hallazgos en el guión proporcionado, se creará de nuevo a mi desconocida hermana, y se le dará veracidad a su historia mediante la influencia de actrices.

¿Qué verdades se han dejado afuera? ¿De qué no se habla?
No se habla de la versión de mi padre acerca de los hechos, ni de la de mi hermana misma.


Punto de vista
¿Desde qué punto de vista está realizado el documental? ¿Qué perspectiva ofrece de los sucesos, lugares y personajes que aparecen?
Está realizado desde mi punto de vista, ya que yo elegiré las mejores opiniones y las influencias que me parezcan más atractivas para definir el personaje de mi hermana en mi futura tesis, además que terminaré eleigiendo a la mejor para el papel.

¿Hay más de un punto de vista? ¿Son coincidentes o se contradicen?
Está el punto de vista de mi crew, incluyendo a mi novia que probablemente manejaré como adverso, para hacer la peli más entretenida.

¿Qué perspectivas pueden haberse quedado afuera del documental?

¿Cuál es el tono, énfasis o emoción con que se desarrolla este punto de vista?

El tono es ligero y simpático, un poco burlón de mi obsesividad e irá cambiando a más serio y pesado para crear impacto.

Convenciones
¿Cuáles son las convenciones que este documental incorpora y cómo?
La convención dominante es la construcción de un personaje por varias personas a través de castings. Haciendo entrevistas se busca tomar la opinión de mujeres reales acerca del personaje de un film, lo cuál cambiará al personaje y hará finalmente que se elija a una para el papel, gracias a las preguntas que se le van provocando al director y cómo él las responde gracias a las actrices.

¿Por qué eligió este tipo de convención?
Para mostrarme ante el público con las dudas y presiones más reales en mi vida actual, haciendo de mi malviaje familiar una cuestión intelectual y artística.

Voces
¿Quiénes son las voces dominantes en el documental?
Las voces dominantes son las de las actrices y la mía, ya que yo hire construyendo al escucharlas una respuesta a mi obra personal en busca de catarsis y redención.

¿Sus voces coinciden o se contradicen?
Coinciden ya que se mostrará pocas opiniones de actrices que no me agraden para mi personaje de tesis.

Estructura
¿Cómo está estructurado el documental? ¿Sigue un orden cronológico?
Si, está constrído linealmente con pequeñas entrevistas a mi mismo acerca del pasado que revelan información para continuar

¿Qué impacto tiene esto en el documental?
Darle veracidad a mi punto de vista

¿Cómo se relacionan la edición y la estructura?
La edición apoyará para ir develando la historia de mi familia paterna y cómo la he vivido, para al final cuando se conozca completa sea un momento catártico y de auténtico desenlace

Edición
¿Qué tipo de edición tiene el documental?
Tiene una edición de aparente inconexión que busca resultar de una conexión absoluta

¿qué tipo de iluminación se usa? ¿Alguna con intención dramática?
Se usa una iluminación de casting en la que las entrevistadas estarán todas iluminadas con las luces disponibles buscando que conforme avance el documental se vaya aclarando e iluminando mejor sus caras como metáfora de la construcción y desarrollo que va alcanzando el personaje del que hablan.

Temática
¿Cuál es la temática del documental?
Habla de las familias divididas, de la crítica a la adultez, de las conexiones metafísicas entre ellas y su relación innegable

¿Qué relevancia tiene el film?
Busca reflejar la opinión de las personas que han resultado de familias disfuncionales, divididas y que son formadas a través de varios matrimonios o relaciones amorosas.

El realizador
¿Aparece en el film?
Si, trata de él mismo

¿Hace que su presencia no se note?
No, aunque a veces se esconda para que se escuche con atención plena a las actrices, es él quien toma las decisiones y provoca un cambio en ellas.

¿QUé función tiene en el film?
Es el personaje principal que le da cause a sus emociones dependiendo de lo que digan las actrices.


Contexto
¿En cuál de las cuatro tendencias de Michael Renov encaja este documental?
Expresar poetizar experimentar

¿En qué medida el contexto en el que se presenta puede cambiar su sentido?
Depende de la gente, si lo ven jóvenes les será más fácil entenderlo por su lejanía con adultos de más de 30 años.

Escaleta (en porcentajes)

00 se presenta el director y su inicial búsqueda, una actriz
10 Se muestran los puntos que alcanza el director para buscar actrices
20 El director comienza a hablar del tipo de actriz que busca
30 El director comienza a hacer castings y comienza a hablar de su hermana con actrices
40 Notamos que dependiendo de los castings que hace, la opinión del director va cambiando acerca de qué es lo que quiere
70 El director habla más de la historia de su hermana y relaciona a su padre
80 El director queda entre dos actrices
90 El director termina de contar la historia de su hermana
100 El director elige una actriz dependiendo de los resultados que ha obtenido

Nuit et brouillard - Alain Resnais

Noche y niebla, analizar una de las joyas de la historia del cine es probablemente fácil o muy difícil, pero nada intermedio. La mestría de Resnais se muestra en cada corte, en todo momento ¿quién puede decir que la película es perfecta? yo me atreveré a decir que es mágica, hipnotizante, seductora en su mensaje, haciendo de todo lo que dice la verdad.



La traslación del presente al pasado, del después y del antes, llena al público de escalofríos, de dolores inimaginables, que no está sintiendo, pero que dejan trauma, y dejan una gran cicatriz en la retina. La revelación de las actividades en campos de concentración. Imágenes de archivo que pertenecesn al lado más oscuro de la humanidad son montadas magnificamente para acercarnos a esa verdad, para dejar un sello en nosotros y más aún, en la historia.

La pyramide humaine - Jean Rouch

El experimento realizado en este film tiene un doble engaño. En un inicio el director plantea a sus 'sujetos', jóvenes de la ciudad africana de Abidjan, la ficción parcial de sus actos frente a la cámara, pidiéndoles estar de un lado, ya sea de los racistas o el de los no racistas.

Comentemos la escena que desenlaza el final de la película. Alain con el corazón roto corre por el barco desesperado, con sus amigos tras de él. El muchacho salta hacia un oleaje muy agresivo y nunca sale. Sus amigos quedan traumatizados por el evento y finalmente se despiden unos de otros, racistas o no.



El director nos ha logrado sorprender. La muerte de un joven no es lo que esperamos en el documental y las preguntas son lo que sigue ¿Será esto verdad? La natural incredulidad de haber presenciado una muerte en film nos deja en una incomodidad que probablemente nunca habíamos sentido.



Jean Rouch nos hace rozar la muerte, la acariciamos y aunque se nos revele que en efecto esto es todo una escenificación, el trauma prevalece. Jean Rouch ha logrado algo que en la historia del cine los grandes directores han alcanzado. Hemos sido marcados.

Calcutta - Louis Malle

El afamado director francés nos presenta su documental Calcutta, el cuál alguna vez mencionó como su obra favorita. Si se trata de la experiencia de explorar y capturar un mundo nuevo, podría imaginarme por qué hacerla llego a ser su experiencia favorita, pero verla es, debo decir, bastante aburrido.

Y ya sé que tal vez esté sobrepasando mis límites éticos de crítica, ya que yo no soy ningún realizador consagrado para criticar a quien si lo es como Louis Malle. Sin embargo su proyecto resulta una gran improvisación, un poco temerosa y distante, además de invadida por prejuicios primermundistas.



Louis Malle tiene el interés de un niño rico queriendo conocer otras historias, pecando de inocente y superficial, tanto, que encuentra a los leprosos, sale de nuevo a la ciudad y regresa a los leprosos.

Una peli que estuvo en Cannes y está en Criterion y es estudiada, pero la verdad queda corta en realización, en visión, en montaje en ideas y en factura plástica.

Jaguar - Jean Rouch

Lo interesante de esta película es la planeación que tiene Rouch para su realización. La película es narrada-doblada por los personajes en pantalla, narrando sus propios puntos de vista y proyectando más de si mismos que en el momento real. Esto crea una hiper-realidad en pantalla que nos acerca a los personajes quienes nos llenan con su actitud natural y honesta, en momentos reflejando mucho más de lo que tal vez podían expresar en el momento de filmación.

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Con esta película, Rouch se devela por primera vez como un absoluto genio, con búsquedas cinematográficas que transgreden la cinematografía y la hacen crecer para el beneficio de la película y el beneplácito del público.



En la película pasa mucho y pasa poco, el estudio etnográfico que presenciamos resulta altamente efectivo al servirse del testimonio auditivo de quienes vivieron la experiencia, logrando enaltecer ésta vez la relación entre el sonido y la imagen.

Les Maitres Fous - Jean Rouch

Jean Rouch en sus inicios, no parece tener las ambiciones cinematográficas que alcanzaría en La Piramide Humana o Crónica de un Verano, sin embargo en este, uno de sus primeros films deslumbra con su talento para entender todo aquello cinematográfico.

La concepción del ritual, característico en los filmes de Rouch, parece tener origen de esta experiencia. Ya sea en su realización, concepción, o en ambos, el ritual estaba presente en todas sus películas de alguna forma y aquí Rouch logra ir más allá de mostrar el ritual, una especie de posesión autoinducida, en la que se supone entra el espíritu colonialista en los cuerpos de los colonizados de lo que hoy es Costa de Marfil. El maestro loco logra no sólo adentrarse en lo que está sucediendo frente a él, involucra a la cámara y por consecuencia al público.



Rompe con la normalidad del tripie y se pone la cámara en el hombro, siguiendo los movimientos de la posesión poseé a la cámara y como si perteneciera a los colonizados, quienes parecen verlo como uno de ellos, no por compromiso o conveniencia, pero sí de una manera natural y orgánica.



La comprensión de la distancia entre los participantes y el conocimiento de lo que va a pasar le dan las herramientas para tomar las decisiones de talla y movimiento, logrando capturar un ritual muerto para la eternidad.

Food Inc. - Robert Kenner

Food Inc. es un documental perteneciente a la ola de "descubridores de verdades" americanos, en el que el director Robert Kenner nos lleva a través de los procesos de producción alimenticia de la actualidad.

Robert Kenner toma ventaja de uno de los devoradores más cazables de nuestro presente en esta investigación. La industria alimenticia americana es uno de los monstruos más fáciles de identificar y señalar. Kenner intenta realizar un estudio a profundidad de sus efectos sin hacer a un lado los datos de sus orígenes. Aunque se focaliza en objetivos fáciles de ubicar como McDonald's, se aleja de juzgar a una sola empresa o empresas, adentrándose en el cuestionamiento antropológico de cómo se ha transformado nuestra forma de producir comida.

Para esto kenner hace uso de entrevistas a granjeros reales, imágenes capturadas en específico para el documental. Recordándonos en momentos a Meat de Wiseman, el impacto que busca lograr Kenner con el montaje de estas imágenes en la tripa del público es obvia. De pronto es increible que la película haya comenzado con el director de la película devorando una hamburguesa al más puro estilo del American way of life.




Hay momentos cuestionables como el seguimiento a la madre de una de las víctimas de E. coli en su viacrucis por las oficinas de congresistas para pasar una ley que regularía la producción de carne de res a través del país, ya que parece extenderse demasiado y abogar un poco de más por una melodramática presión para hacer de sus argumentos inobjetables.



Algo altamente destacable es que al final de la película uno no se queda en una nota agresiva para señalar a culpables u odiar al mundo, aunque tal vez sea difícil comer una hamburguesa por un par de semanas. El documental no se mantiene imparcial o frío, pero se aleja de lo amarillista y falsamente espectacular alá Moore para mostrar lo monstruoso de la realidad, a pesar de que en algunos casos hace falta la dualidad de la argumentación por razones que aparentemente están fuera del control de la realización (por ejemplo la declinación para industriales de dar su punto de vista o argumentos en el caso de los pollos). El documental termina con una nota alta en general, aunque puede pecar de aburrido a ratos.

Fake Fruit Factory - Chick Strand

Un eterno close-up interrumpido por la toma de un espejo podría ser un resumen muy superficial de esta película. Pero hay mucho más que eso. Durante la película, somos testigos del trabajo de un grupo de mujeres en una fábrica de frutas de papel, dirigida por un americano en tierras mexicanas. La hipnosis creada por las tomas cerradas en las frutas, sus colores y las manos de las mujeres nos dejan ver mucho más de lo que podría lograr una explicación didáctica del proceso.



Durante el montaje del trabajo de las mujeres escuchamos sus pláticas íntimas como sonido ambiental que se transforma pronto en parte fuerte del lenguaje cinematográfico usado, nunca viendo (con pequeñas excepciones) un rostro o característica física aparte de las manos. Sumándole la música nos metemos a un viaje en el que la realidad es clarísima. No conocemos las casas de las trabajadoras, en qué parte de México se encuentran ni un pequeñísimo detalle de la fábrica. Pero sabemos bien que alguien está siendo expuesto y es este grupo de trabajadoras.

Así la poca convencionalidad de decisiones en este documental lo hacen más efectivo, además de altamente estético y objeto de estudiio.

The Cove - Louie Psihoyos

Ganó el Oscar, y por ahí de aquí al 2011 vamos a empezar si hablamos de esta película. No tengo ninguna opinión dramática o política acerca del premio de la Academia y definitivamente no creo que sea EL DOCUMENTAL DEL AÑO. Sin embargo creo que es un proyecto interesante para analizar. Basicamente la película se basa en la misión que se propone un equipo de personas, dirigidas por la Oceanic Preservation Society, para capturar en video de alta definición la masacre de delfines en Taiji, Japón.

La realización es torpe, y la película se mantiene por la fortaleza del tema, sin embargo es difícil decir si la película trata acerca de delfines, de la industria pesquera, de las trabas que encuentran para grabar, de lo difícil que es ser activista ecológico o simplemente de la caza de delfines en Japón. A través de la película, los realizadores nos llevan tema por tema explicándonos por qué debemmos escucharlos, por qué no está bien matar delfines y gracias a las tomas intrépidamente ideadas de la masacre se rescata la película apoyándose en lo crudo, en lo explícito, cayendo en lo tendencioso.

Yo no estoy a favor de la caza de cetáceos, pero fuera de las tomas de cámaras escondidas que me cuesta trabajo valorarlas más como trabajo cinematográfico que como espionaje, hay dos momentos que resaltan y en los cuales el film llega a buen puerto.



Primero está el testimonio de los trabajadores japoneses que apoyan la cruzada americana de Richard O'barry y compañía. Un par de habitantes de Taiji, son filmados expresando su preocupación acerca de el uso de carne de delfín para la alimentación de niños en las primarias. Sus rostros llenos de verdad son impactantes y por primera vez nos asoman a la realidad local, en la que quienes están más cercanos al problema no lo ignoran, sino que nos revelan el nivel de miedo que les provoca.





Otro momento es el final en el que el representante de los pesqueros es enfrentado a sus mentiras, de nuevo infundiéndonos un miedo que va mucho más allá de perder el trabajo o el daño a la industra delfinera., nos revela que la profundidad del problema no es alcanzado por la película, y nos deja con ganas de entrar más.